Пленэр - это что? Советы начинающим художникам. Великие художники на пленэре Что значит писать картину на пленэре

Каждый, кто учился в художественной школе, посещал курсы по рисованию или фотографии, наверняка не раз слышал слово "пленэр". Что это, и чем он отличается от обычного изобразительного творчества, должны были подробно рассказывать преподаватели. Эта же статья предназначена для тех, кто с таким понятием не знаком.

Что такое "пленэр"

Не все художники сочиняют свои картины, сидя в мастерской. И не у всех есть возможность рисовать по фотографии, тем более что фотоаппарат не может передать объем и ощущение пространства, как бы ни старался. Для решения этой проблемы и существует пленэр - рисование на природе. Причем объектом творчества может быть что угодно: растения и ландшафт, панорамы города и отдельные сооружения, портрет, небо и многое другое, что только может прийти в голову.

Пленэры для художников - это очередная возможность испытать свои силы, прочувствовать и перенести все это на холст. Главное - научиться рисовать быстро, пока свет не переменился. Зачастую на пленэре создают этюды и зарисовки, а не полноценные картины. Фотографы тоже работают на природе. Для многих из них пленэр - это основное направление в творчестве.

Насколько это трудно

Рисовать на пленэре намного сложнее, чем в студии. Погода может измениться в любой момент - ветер сдувает все художественные принадлежности, насекомые мешают, а солнце довольно быстро меняет свое положение на небосклоне, кардинально меняя освещение. Казалось бы, зачем так мучиться, ведь можно сфотографировать сцену и нарисовать все дома. Но не все так просто. Любой художник ответит, что картины, нарисованные с плоской фотографии, и сами будут выглядеть плоско. А задача художника - создать ощущение пространства. Что бы ни говорили про пленэр (что это, например, трата времени, сил и нервов), ни один стоящий мастер не откажется от возможности творить на природе.

История

На природе рисовали давно, но пленэр как стиль живописи появился только в начале XIX века, благодаря творчеству англичан Ричарда Паркса Бонингтона и Джона Констебля. подразумевающий быстрое рисование на природе, пришелся по душе многим. Его подхватили такие известные художники как Пьер-Огюст Ренуар, Батист и Жан-Франсуа Милле. Позже одним из самых известных художников, рисовавших природу с натуры, стал Клод Моне.

В России пленэр был особенно популярен с конца XIX до начала XX века. К. Коровин, И. Грабарь и В. Серов регулярно творили на природе. Множество потрясающих этюдов в этом жанре создал и знаменитый мастер пейзажа Исаак Левитан.

В настоящее время рисование на природе зачастую входит в обязательную программу художественных высших и средних учебных заведений. А профессиональные живописцы устраивают международный пленэр. Это групповой выезд на природу, предназначенный для обмена опытом и знаниями между художниками из различных стран.

Как подготовиться

Вы открыли для себя понятие "пленэр" - что это, откуда появилось и зачем нужно. Теперь осталось узнать, как самому окунуться в мир пленэрной живописи.

Вам понадобится этюдник. Это специальный раскладной чемоданчик, в котором можно носить кисти, краски и другие принадлежности. Он устанавливается на треногу и заменяет художнику мольберт. Не забудьте карандаши и краски, бумагу, ластик, воду, в которой вы будете ополаскивать кисти, и ёмкость для нее.

Наверняка, вам пригодится теплая одежда, ведь погода может измениться в любую минуту, головной убор для и средство от насекомых. К подготовке нужно подойти серьезно, иначе желание творить пропадет уже через полчаса после начала работы.

Итак, что вы узнали про пленэр? Что на природе, оригинальный который появился в Англии в начале XIX века. Популярным он остается до сих пор. Теперь вы и сами готовы приступить к рисованию на природе наравне с величайшими художниками XIX и XX века.

Природу копировать не надо, но надо почувствовать ее суть и освободить от случайностей.

Исаак Левитан

Не все, конечно, но многие видели людей, рисующих с натуры в самых, кажется, неожиданных местах и в самых неудобных положениях — сидя в кафе и на улице, согнувшись на бордюрах или ступенях городских лестниц. Или с комфортом разместившихся со своим оборудованием на обочинах проселочных дорог и в полях, на лесных опушках и горных склонах, по излучинам рек и на морском берегу…

И всегда эти рисующие (карандашами и углем, линером и сангиной) и пишущие (маслом, акварелью и гуашью) привлекают внимание гуляющих и спешащих прохожих. Чем? Чудом, выходящим из-под руки рисовальщика, руки художника.

Творчество — всегда чудо. Объединяющее в себе мастерство и вдохновение, точные знания и внутренний порыв, эмоции. И совершается оно по-разному — в отдельной мастерской и общей студии, дома и на природе.

Так вот, такая работа под открытым небом — и есть пленэр.

Некоторые наши современники думают, что в нынешние времена окончательной победы цифровых изображений художники-пейзажисты работают исключительно по фотографии. А что, удобно же, и не надо обжигаться под палящим солнцем, мерзнуть в крепкие морозы, мокнуть под дождём... Что ж, есть и такие художники, есть и такие приёмы. Но не этим пейзажист живёт! Ведь исключительная точность передачи натуры средствами фотографии еще не является искусством живописи, и, в некотором роде, лишена авторского подхода. Фотоискусство совершенно иными средствами передает объём и ощущение пространства, по-другому выстраивает колорит и детальность. Именно излишняя детальность порой мешает увидеть главное.

Кроме этого, даже в самой маленькой живописной мастерской или студии всегда царит своя, особая атмосфера, выстроенная с помощью бокового и/или искусственного освещения. В природе же все не так, под открытым небом свет окутывает предметы со всех сторон сразу, меняя и тон и уж тем более цвет! Казалось бы, зачем так мучиться, ведь можно сфотографировать пейзаж и нарисовать все дома. Но не всё так просто. Любой художник ответит, что картины, нарисованные с плоской фотографии, сами будут выглядеть плоско. Но задача художника — создать ощущение пространства, передать некий дух места, его живое впечатление и обаяние. Для решения этой проблемы и существует пленэр, подразумевающий рисование на природе. Поэтому, несмотря на определенные неудобства, ни один стоящий мастер не откажется от возможности творить на натуре. Причем, объектом творчества может быть что угодно: растения и ландшафт, городские зарисовки, натюрморт и портрет под открытым небом, панорамы города и отдельные сооружения, небо и многое другое, что увидит внимательный и восхищенный взгляд художника. Но главным жанром, конечно, остается пейзаж во всём его многообразии.

Словарь извещает нас:

PLAIN air - фр. (букв. — открытый воздух) — paбота художника с натуры непосредственно под открытым небом, с учетом воздушных и световых явлений.

Большая Российская Энциклопедия даёт определение нужного понятия таким образом:

Пленэр — передача в живописи изменений и градаций цвета изображаемых объектов, которые обусловлены воздействием солнечного света окружающей атмосферы.

Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников на открытом воздухе (а не в мастерской) на основе изучения натуры в условиях естественного освещения. Предметом её особого внимания становятся цветовые и световые рефлексы, тончайшие модуляции цвета, изменяющиеся в зависимости от природных условий, времени года и ли времени суток. Передача «воздушной» перспективы, изображение прозрачных теней.

Истоки пленэрной живописи (светлая гамма, чистые цвета, ощущение световоздушной среды и т.д.) можно найти в творчестве некоторых мастеров Возрождения (Пьетро де ла Франческа, ванн дер Гус) и художников XVII - XVIII вв. (пейзажи Веласкеса, Я.Вермеера, малых голландцев, и других. Однако, начало пленэризма как системы живописных приёмов связано с творчеством художников первой половины XIXв. (Р. Бонингтон и Дж. Констебл в Великобритании, Сильвестр Ф.Щедрин и А.А.Иванов в России). Приверженцами пленэра были мастера так называемой «Барбизонской школы», а также К.Коро. Наиболее полное воплощение принципы пленэра нашли в творчестве мастеров французского импрессионизма — К.Моне, К.Писсарро, О.Ренуара, А.Сислея. именно тогда термин «пленэр» получил широкое распространение. Позднее широко распространился во всех странах мира. В русской пейзажной живописи к пленэру много обращались В.Д.Поленов, И.И.Левитан, В.А.Серов, К.А. Коровин, И.Э.Грабарь, и другие.

С тех пор на пленэре работают все поколения художников, бережно передавая способы и приемы передачи деталей изображения от старших к младшим. Как и прежде, сегодня пленэры для художников — это очередная возможность набраться свежих, новых эстетических впечатлений, усовершенствовать свою технику, запечатлеть меняющуюся красоту скоротечного дня, перенеся её на холст. Главное — научиться рисовать быстро, пока свет не переменился.

Чаще всего на пленэре создают этюды и зарисовки, а не завершённые картины. Для многих художников пленэр — это не основное направление в творчестве, а лишь важный этап в создании завершённого произведения. Именно здесь, в коротких работах — этюдах, порой крохотных размеров, схватывают уникальные соотношения цвета и тона, передают то самое важное для этого места и времени, что потом ляжет в основу долгосрочного серьёзного вдумчивого процесса написания картины.

Рисовать на пленэре сложнее, чем в студии чисто технически. Погода может измениться в любой момент — бывает, ветер сдувает художественные принадлежности, насекомые мешают, а солнце довольно быстро меняет своё положение на небосклоне, кардинально изменяя освещение. Кроме этого, и сам художник попадает в необычные условия. Теперь на его палитру и на этюд падают и яркий солнечный свет, и рефлексы от неба, что усложняет задачи поиска верного цвета. Это нужно учитывать, выбирая места для работы на воздухе. Желательно укрыться от прямых солнечных лучей и рефлексов небесного голубого цвета, и когда естественных укрытий не предвидится, выручает зонт (как правило, из светлой, но достаточно плотной ткани).

Еще одной сложностью для начинающих становится обширность пространства, которая даёт обилие света, глубину перспективы и удалённость изображаемых предметов от глаз наблюдателя. Вместе с новыми условиями работы возникает необходимость охватить взглядом сразу большое пространство, верно увидеть цвета в связи с цветовой и тональной перспективой. Это сложная задача, которая увлекает и пугает новичков.

Работа на пленэре, как и другая работа над художественным произведением, включает в себя решение творческих, композиционных, тональных и цветовых задач. Кроме этого, существует и определённая последовательность ведения работы по принципам: от общего к частному, от большого к деталям, от главного ко второстепенному. От краткосрочных (от 30мин. до часа) и маленьких переходя к более длительным (2-3ч.) и более крупным по размерам этюдам. На первых порах определиться с композицией помогает видоискатель — бумажная рамка с вырезанным посередине прямоугольником. Она, вместе с этюдником (варианты исполнения которого вы можете увидеть в интернет-магазинах и в салонах товаров для художников) или пленэрным складным мольбертом-штативом, набором красок, палитрой и складным стульчиком, составляет основу пленэрного оборудования. Кое-что из вспомогательных вещей можно изготовить самим: например, папки, сшитые из плотной ткани специальные сумки или рюкзачки с карманами и отделениями для бумаги, красок, кистей, мастихинов, пластиковой бутылки с водой и прочего.

Итак, собираясь на пленэр, ещё раз вспомним, что важно не упустить из внимания. Кроме основных сборов надо предусмотреть детали, несущественные на первый взгляд. Например, не нужно одевать насыщенную по цвету одежду, т.к. она будет отбрасывать на картинную плоскость и палитру сильные цветовые рефлексы. Устраиваясь в тени лиственных деревьев, учитывайте зелёный отсвет, который повлияет на работу. Чтобы избежать ослепления солнцем, берите с собой зонт или кепку с козырьком. Выходя на этюды, берите с собой краску с запасом, особенно для мотивов с большими отношениями небо — вода — земля. При правильной работе 3-4 замеса помогут установить цветовое единство и избежать излишнего расцвечивания работы. Не забывайте позаботиться о запасе воды при работе акварелью. Одевайтесь по погоде.

Подводя итоги, скажем, что Пленэрная практика включена в программу всех учебных заведений, готовящих художников различных профилей — станковистов и прикладников, скульпторов и архитекторов, художников театра и кино.

На пленэр выходят ученики художественных школ и студий, дети и взрослые, профессионалы и любители, «матёрые» и начинающие.

Ведь счастье быть причастным к чуду творчества, как и способности и настоящий талант, даётся свыше. А пленэр, кроме всего прочего, даёт радость общения с природой, с единомышленниками, предоставляет возможность научиться новому. И это хорошо.

ART-KAFABELLA Творческие дачи в Крыму.

О том, что такое пленэр, хорошо осведомлены художники, искусствоведы, ценители живописи, ну и, конечно же, просто эрудированные люди. Для остальных красивое иностранное слово окружено тайной. Эта статья поможет восполнить пробел в знаниях и расширить кругозор.

Пленэр - что же это такое?

«En plein air», - произносят французы, а по-русски говорится «пленэр», что в переводе с изысканного французского означает «на открытом воздухе». Это выражение пришло в Россию из Франции, но не получило широкого применения, а прижилось исключительно в художественной среде.

Если художник, повесив на плечо этюдник, говорит, что идет на пленэр, это означает, что он собирается заняться живописью на природе. И не столь важно при этом, что именно он собирается писать с натуры: пейзаж, портрет прекрасной дамы или целую жанровую картину, лишь бы это изображение или действие, запечатленное на холсте, происходило в естественной природной среде.

Живописная техника изображения объектов в естественных условиях при активной роли воздуха и естественного света - вот что такое пленэр. При этом объектами для написания картины могут послужить не только прекрасные уголки лесов и полей, но и, к примеру, городской пейзаж.

Возникновение пленэрной живописи

Природа всегда была излюбленной темой художников. Так было и во времена эпохи Возрождения, и даже до нее. Однако в прошлом живописцы выбирались на природу лишь для создания предварительной серии набросков-эскизов к будущей картине. Главный же творческий процесс всегда происходил в мастерской.

Понятие пленэрной живописи появилось сравнительно недавно - в начале XIX века. Считается, что первым художником, который начал работать на природе, был англичанин Констебль, влюбленный страстно в бескрайнюю красоту неба, лугов и полей, яркую зелень деревьев. Он старался запечатлеть на холсте ощущение переменчивой жизни природы. Но настоящими первооткрывателями широких возможностей пленэра стали французские импрессионисты.

Эти одержимые искусством творцы были настоящими новаторами для своего времени. С утра до позднего вечера они писали картины под открытым небом. Хотите увидеть и понять, что такое пленэр, - посетите Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве. Там находится большая коллекция полотен французских импрессионистов. Сегодня картины таких мастеров пленэра, как Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Писсаро, украшают экспозиции самых известных музеев мира. Удивительно, но, когда они еще только начинали свой творческий путь, их живопись мало кто понимал.

Русские мастера пленэра

В России пленэрная живопись также завоевала большую популярность. Первым русским живописцем, начавшим писать на пленэре, был Сильвестр Щедрин. Его картины-пейзажи сегодня считаются академическими, но для XIX века они были новаторскими. Вот еще ряд имен самых известных русских художников - мастеров пленэра:

• А. Саврасов.
• И. Левитан.
• К. Коровин.
• А. Иванов.
• И. Репин.
• Ф. Васильев.
• В. Поленов.
• В. Серов.
• И. Грабарь.
• К. Юон.
• А. Куинджи.

Самые известные картины, написанные на пленэре

Рассказ о том, что такое пленэр, будет неполным без информации о лучших образцах мировой пленэрной живописи. К общепризнанным эталонам относятся следующие картины:

• "Восходящее солнце", "Здание парламента в Лондоне", "Кувшинки, "Женщины в саду" Клода Моне.
• "Завтрак на траве" Эдуарда Мане.
• "Пейзаж на берегу Сены" Огюста Ренуара.
• "Пшеничное поле с кипарисами", "Звездная ночь", "Красные виноградники в Арле" Ван Гога.
• "Грачи прилетели", "Осень. Сокольники", "Зимний пейзаж" Алексея Саврасова.
• "Над вечным покоем", "Золотая осень", "Вечер. Золотой Плес" Исаака Левитана.
• "Московский дворик" Василия Поленова.
• "Зима в Абрамцево. Церковь", "Заросший пруд" Валентина Серова.
• "Розы на фоне моря", «Париж", "Крым. Гурзуф" Константина Коровина.
• "Деревья", "Грозовые облака", "После дождя. Проселок" Федора Васильева.
• "Березовая роща", "Радуга", "После дождя", "Вечер на Украине" Архипа Куинджи.
• "Февральская лазурь", "Иней", "Мартовский снег" Игоря Грабаря.
• "Русская зима. Лигачево", "Весна в Троице-Сергиевой Лавре" Константина Юона.

Конечно, это только небольшая часть огромного списка мировых шедевров.

До появления художественного пленэра мастера живописи готовили масляные краски прямо в мастерских, растирая вручную пигменты. Благодаря новым веяниям в искусстве и жажде художников отправляться в творческие путешествия и носить краски с собой, появилась потребность во что-то упаковывать такой неудобный для перевозки материал. Промышленность быстро среагировала на массовый ажиотаж: на свет появились краски в тюбиках, которые очень удобно брать в дорогу.

Деревянный этюдник с раскладывающимися ножками - непременный атрибут художников на пленэре - тоже был изобретен благодаря развитию пленэрной живописи. В такой компактный плоский ящик кладутся не только тубы с красками, но и кисти, мастихины, палитра - все, что нужно для создания живописного шедевра на свежем воздухе.

Современный пленэр

Сегодня, отправляясь в путешествие, художнику необязательно брать с собой краски, чтобы запечатлеть понравившийся пейзаж. Достаточно взять в дорогу фотоаппарат. В наше время огромной популярностью пользуются фотосессии на природе. Картины-пейзажи, которые создаются при помощи современной цифровой техники, порой не уступают по красоте лучшим живописным полотнам.

Это современный фотопленэр. Чтобы успешно заниматься данным видом искусства, не нужно предварительное постигать основы живописи и всюду таскать с собой этюдник с красками. Все, что требуется: наличие цифровой камеры и жажда творчества.

Пленэр – (франц. – открытый воздух)- термин, обозначающий передачу в картине всего богатства изменений цвета, обусловленных воздействием солнечного света и окружающей атмосферы.

Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников на открытом воздухе (а не в мастерской), на основе непосредственного изучения натуры в условиях естественного освещения, с целью возможно более полного воспроизведения её реального облика. Некоторые моменты, предвосхищающие появление пленэрной живописи, можно проследить в творчестве мастеров итальянского Возрождения и художников 17 в.

Однако по существу принципы пленэрной живописи получили распространение в 1 половине 19 в. (Дж. Констебл – Великобритания, А.А. Иванов – Россия). Наиболее полное воплощение принципы пленэра нашли во 2 пол. 19 в. (термин начинает широко употребляться) в творчестве мастеров импрессионизма – К.Моне, К.Писсаро, О. Ренуара и др., а также в русской пейзажной живописи 2 пол. 19-ная. 20 вв. (В.Д.Поленов, И.И. Левитан, В.А. Серов, К.А. Коровин, И.Э. Грабарь).

Нельзя не отметить, что, выйдя из мастерской на пленэр, сам художник попадает в особые условия. Ведь и на его палитру и этюд тоже проникают рефлексы, что значи­тельно затрудняет поиски достоверно­го цвета.

Это необходимо учитывать при выборе места для работы на воздухе. Если нельзя найти надежное укрытие, художники берут с собой особый зонт, защищающий их от рефлексов голубо­го неба и солнечных лучей.

Непривычные просторы изображаемого пространства, обилие света, большая удаленность объектов природы от глаз наблюдателя, новые условия работы обычно увлекают и одновременно пугают впервые попавшего на пейзажные этюды начинающего живописца. Поначалу трудно охватить взглядом глубину пространства, увидеть цвета предметов и объектов, измененных расстоянием, силой и состоянием освещения. Трудности первых опытов работы на пле­нэре усугубляются быстрой сменой освещения (то яркое солнце, то набежавшие от туч тени), различным состоянием погоды в течение суток (утром, днем, вечером) или в разные времена года.

Передача цветовых отношений объектов природы с учетом тонового и цветового состояния освещенности является основой живописи пейзажа. Предстоит решить цветовую основу, на которой в процессе написания этюда строятся конкретные отношения между деталями пейзажа.

Приспособление для работы на воздухе. Для хранения и переноса красок, кистей, палитры нужно приобрести или сделать самим деревянный ящик, называемый этюдником. Этюдники бывают двух видов (рис. 100): для акварели -легкий плоский деревянный ящик с акрилатовой палитрой, кассетами для красочных смесей и другими принадлежностями; или «комбайн»-универсальный этюдник с раздвижными ножками, который можно использовать для работы на воздухе (на пленэре) и для работы в мастерской.

Для работы на природе полезным будет и складной легкий стульчик, так как не всегда приходится работать стоя. Имея пере­носной стульчик, легче организовать рабочее место. При желании можно самим изготовить приспособление для работы на пленэре: папки и сшитые из парусины сумки с карманами для красок, кистей, фляги с водой и других вещей.

Приступая к пейзажному этюду, следует прежде всего позабо­титься о выборе наилучшей точки наблюдения, с которой весь будущий пейзаж воспринимается цельно, смотрится выразительно, когда четко определяются пространственные планы. Если в компо­зиции этюда мы хотим показать деревья целиком, то надо находить­ся от них на достаточном удалении (не менее чем две-три величины объекта изображения по большей стороне).

Рамка-видоискатель, вырезанная из бумаги, поможет найти композиционное решение в соответствии с замыслом и конкретной задачей. Чтобы этюд был хорошо скомпонован, надо сосредоточить внимание только на том, что составляет основу, главный сюжет изображения, отказавшись от всего второстепенного, остающегося за рамкой видоискателя.

Одна из главных композиционных задач - с самого начала определить на плоскости этюда крупные соотношения земли и неба. Все элементы пейзажа в дальнейшем будут строиться в зависимости от положения линии горизонта (находящейся на уровне наших глаз). Горизонт не должен делить картинную плоскость горизонтальной линией на две равные части. Этюд смотрится интереснее, когда на нем показано либо больше неба, либо больше земли, а не их пропорциональное равенство. Симметрия делает композицию не­выразительной и скучной.

Цветовые отношения между отдельными объектами, участками, и планами видимой натуры, правильная передача общего цветового состояния природы зависят от освещения. Освещение в пейзаже (в солнечный яркий день-яркие, светлые краски палитры, в пас­мурный день - темные, малонасыщенные цвета) во многом опре­деляет успех построения эмоционально-выразительного пейзаж­ного этюда. Решение больших цветовых отношений должно обяза­тельно вестись с учетом различного состояния освещенности, днев­ного, вечернего и т.д.

На начальной стадии обучения необходимо научиться чувство­вать роль воздушной перспективы и освещения (например, стволы берез на закате солнца окрашены в оранжево-красные оттенки), выработать способность замечать не предметные цвета, а обуслов­ленные освещением и удаленностью, т.е. измененные, цвета пред­метов.

На природе, где цвета предметов меняются в зависимости от освещения, нужно определить, в каких пределах должны быть построены цветовые отношения. Если по неопытности не задаться такими параметрами, придется все время переписывать начатый этюд, например в случае, если солнечная погода сменилась пасмур­ной.

Работая на пленэре, следует устанавливать пропорциональное различие цветов, перспективное изменение обусловленного цвета на разных планах, одновременно держа их в поле зрения (первый - ближней, средний - второй и дальний -задний). Хотя объекты пейзажа и расположены на разных планах, их можно сравнивать и устанавливать существующие между ними отношения. Например, зеленая трава на переднем плане воспринимается более теплой по тону, чем та же трава на среднем и тем более на заднем плане.

В пейзажном этюде необходимо начинать писать с целого, а не с деталей, следуя принципу: от общего -к деталям, с последующим обобщением. Вначале прокладывают общие цветовые пятна, а затем, когда большие цветовые отношения установлены, переходят к проработке деталей. В первоначальных коротких этюдах на пленэре (продолжительностью от 30 минут до одного часа) рисовальщик ставит себе определенную задачу: выработать метод работы цвето­выми отношениями при цельности восприятия натуры. В таких этюдах выстраивают отношения между цветом неба, земли, пере дним, средним и дальним планами. Полезно вначале в качестве сюжета выбирать мотивы с ограниченным замкнутым пространст­вом (например, двор с его растительностью и частью строений).

Если вы успешно справились с задачей, можно переходить к более открытым пространствам, имеющим несколько планов (на­пример, берег реки с ясно выраженным передним планом - дере­вом, кустом, строением и т.д.). На выполнение второго вида этюда отводится от 2 до 3 часов. Здесь помимо основной задачи, заклю­чающейся в передаче основных цветовых отношений, с учетом воздушной перспективы и состояния освещения, потребуется дать пространственное решение и проработку деталей переднего плана. Определяя цветового состояние пейзажа, нужно найти основные отношения между цветом неба, земли, воды, а также обобщенных масс растительности (строении).

Решив композицию будущего этюда в первоначальном набро­ске, намечаем на рабочем листе карандашом или сразу кистью главные части пейзажного мотива и пропорции больших масс. Уточняем месторасположение отдельных элементов пейзажа в со­ответствии с пространственными планами, в пределах которых они находятся, в подмалевке одним цветом. С использованием светотени очень обобщенно определяем основные тональные отношения крупных частей пейзажа.

Далее переходим к работе в цвете с учетом общего освещения: утреннее солнце придает общему цветовому строю пейзажа, включая все объекты изображения, хорошо воспринимаемый желто-розовый оттенок, дневное солнце-золотистый, вечернее-оранжеватые или красноватые оттенки. Мягкий рассеянный свет пасмурного дня больше всего проявляет предметный (собственный) цвет объектов изображения.

В изображении пространства в пейзаже большую роль играет проработка формы живописных объектов, находящихся на различ­ных пространственных планах. Чтобы передать глубину в пейзаже, более конкретно прописывают формы предметов или объекты переднего плана. На передних планах отчетливее проступают соб­ственные цвета предметов, здесь они выглядят объемнее, насыщен­нее, с контрастной светотенью. При решении дальних планов нужно учитывать законы воздушной перспективы. По мере удаления от зрителя формы предметов теряют объемность и приобретают упро­щенный, силуэтный характер, ослабевает их насыщенность - цвета становятся обусловленными воздушной средой и зависят от степени удаления от зрителя.

С ростом мастерства появляется возможность обогатить палитру чрезвычайно богатыми красками природы, нюансировкой цветов растительного мира, передачей самых разнообразных настроений.

Что касается подготовки к работе на пленэре, то здесь важно предусмотреть на первый взгляд не очень важные детали.

Так, не следует в яркий солнечный день надевать насыщенную цветом одежду - она помешает, так как будет отбрасывать сильные по цвету рефлексы на палитру и картинную плоскость. Если вы устроились в тени деревьев, помните, что зеленый отсвет листвы повлияет на вашу работу. Чтобы не слепили лучи солнца, лучше писать, находясь под защитой локального цвета зонта, или носить головной убор с козырьком. Отправляясь на этюды, берите краску с запасом, особенно для пейзажей, в мотиве которых присутствуют земля, вода и небо. Если вам удастся подобрать три основных цвета из имеющихся красок и в нужном количестве, они помогут устано­вить цветовое единство пейзажа и избежать чрезмерного расцвечи­вания этюда. Работая акварелью, позаботьтесь о запасе воды во фляге.

Над пейзажем можно работать в любое время года.